Avila 1917 arch. fot Museo Bellas Artes de Alava

En 1916 , Echevarria subía con su familia al Norte, asentándose en una ciudad castellana contrapuesta  a la granadina. Avila atrajo profunda­mente su sensi­bili­dad, vislumbran­do en este silen­cioso lugar, el magne­tismo necesario en los seres y los paisa­jes naturales. De ahí que la auste­ridad y reciedumbre de sus gentes, las llanu­ras pedregosas de sus paisajes y la sobriedad asimé­tri­ca y milena­ria de sus arqui­tecturas estuvieran más ajustadas a su intro­verti­da personali­dad:

“Todo me habla de espíritu  y procura­ré no entur­biar éste, pres­cin­diendo en lo posible de lo pinto­resco y de las armonías brillantes de color, es decir, que tiendo a una emoción más concentrada y pura. Claro que esto no quiere decir que no siga buscando las armonías de color”.

De alguna manera, aquella “espiritua­lidad” a la que se refería en diversas ocasiones estaba acorde con el pensa­miento de los inte­lectuales de la Genera­ción del 98  de su tiem­po, asociando el paisaje castellano con la esencia del carácter español , con el alma españo­la.

Los escritores noventaiochistas atribuían al paisaje caste­llano  cier­tas cualidades denomina­das masculi­nas como el ful­gor, la acti­vidad y el contras­te, mientras que en el paisaje norte­ño destacaban otras cuali­dades mas femeni­nas, tales como la armo­nía, la gracia, o la pro­porción.

En su visión de la ciudad de Avila, siempre representada mediante una vista panorámica a extramuros, Echevarria recogía en primer término la ermita de San Segundo, levantada sobre un terreno pedregoso delante de las milenarias mura­llas que circundaban  toda la pobla­ción.  Ante este recio paisaje abandonaba por completo las lumino­sidades mediterrá­neas, la tonalidades vivas, la fuerza del contraste cromático provocado por la intensidad de la luz para sumer­girse en el color azul, dentro de cromatismos grises profundos, manifes­tando:

“Ahora que serán armo­nías en tono menor, que es a mi juicio, lo que mejor siento y conviene a esta tierra caste­llana, de la que Dios alejó toda galanura. Sus hombres nos sugieren ideas de asce­tismo, y sus paisajes nos conmueven hondamente, como acaso ningún otro en el mundo. Ante él se comprende que los hombres vuelvan su mirada hacia un más allá generoso y justo, que les compense de las pocas gracias que aquí abajo les han sido otorgadas”.

El Paria castellano 1917 Museo de Bellas Artes de Bilbao

En definitiva, su cambio de paleta hacia una gama fria, más monocorde, con prefe­rencia de los azules profundos y grises,  no restaría en absoluto fuerza a cualquiera de sus personajes marginales . En  el caso de  su cono­ci­da obra “El Paria castellano” (1917), la expresiva mirada implacable del  joven mendi­go junto a su perro acurrucado, traducía un sentimiento de solidaridad en el dolor, singularmente descrito por el poeta y pintor José Moreno Villa: “en éste hay un dolor sin con­ciencia, un dolor de bicho herido y sangrante, que ignora por qué le duele y por qué sangra; en el retrato hay la conciencia del dolor, la refle­xión dolorosa” . En Avila,  llegó a entablar amistad con algunos monjes dominicos vascongados del Convento de Santo Tomás, a los que pintaría vestidos  con el hábito dominico en actitud pensativa.